Teoría del diseño gráfico – Segunda Parte

Teoría del diseño gráfico – Segunda parte

El signo

Un signo es un objeto y acción que representa y sustituye a otro objeto, fenómeno o señal. Debido al uso frecuente de símbolos, surge la semiótica, (del griego “semion”) como doctrina que estudia las reglas que gobiernan la producción, transmisión e interpretación de estos símbolos.

Se puede describir la comunicación humana, como una transferencia e intercambio de mensajes entre las personas. Cuando alguien quiere comunicarse, la única forma en que puede hacerlo es por medio del uso de alguna combinación de signos (sonidos de habla, letras y números, cuadros, fotografías, etc).

“Esos signos son medios esenciales que hacen posible la transferencia de pensamientos, significados e ideas. De ello se puede extraer que la comunicación entre dos o más personas siempre constituye una situación sígnica”.

Tipos de signos:clasificaciones

La base de esta situación sígnica esta formada, por un lado por el signo propiamente dicho y por otro, por el llamado “vehículo signico”, que es el camino por el cual se muestran esa serie de signos.

Los símbolos son un hecho físico y estético y se diferencian con los signos en que estos, son un echo psicológico que conecta al hombre con su significado, es decir, son signos artificiales que dependen de alguna convención construida por el hombre y pertenecen al plano de la imaginación y del inconsciente (por ejemplo la cruz, para el cristianismo o los alfabetos, etc.).

Dentro de los signos nos encontramos con diferentes clasificaciones :

  • Signos Icónicos: Se emparentan al objeto por semejanza, hay una relación directa.
  • Signos Simbólicos: Existe una relación indirecta con aquello a lo que refieren (por ejemplo la paloma refiriéndose a la paz).
  • Signos Indicativos: No establecen relación con nada, solo indican o señalan un fenómeno, se anteponen a él (por ejemplo el humo en un incendio).

Variables necesarias para que existan los signos

Dentro de esta categoría, se mencionará brevemente que algunos diseñadores y tipográficos como Adrián Frutiger, establecen subcategorías: Signos Signaturas (signo de propiedad), Signos Emblema (perteneciente a un grupo o estado), Signos Marca (rubrica o signo profesional) y los Signos Señales (como la señalización de servicios).

Para que un signo pueda existir, depende de tres variables: el emisor, el receptor y el mensaje:

  • El emisor es la persona que ejecuta el signo. Por ejemplo, la persona que agita la mano de un lado a otro.
  • El receptor es la persona a la que va destinado ese signo. Así, si el mediador esta familiarizado con el signo que el interprete ha realizado, comprenderá que se trata de un saludo.
  • Y el mensaje es lo que se quiere decir propiamente dicho, en el caso del ejemplo anterior, el objeto es el mensaje “Hola”.

Clasificacion: sintácticos, semánticos y pragmáticos

Si el receptor no conoce el símbolo que el interprete está realizando, difícilmente podrá comprender el mensaje de dicho signo, por esto se dice que para que un signo exista se deben dar estas tres condiciones.

Los signos pueden estudiarse según tres aspectos: aspectos sintácticos, semánticos y pragmáticos.

  • Sintácticos: Se estudia el signo según su forma percibida.
  • Semánticos: Se estudia por la forma en que el significado está conectado con el significador ( por ejemplo la relación entra la forma y lo que es significado por la forma).
  • Pragmáticos: Por su uso ( su propósito, efectos deseados, resultados, etc)

“El objeto del diseño es transferir mensajes a un público amplio, y estos mensajes transportan significado e intenciones; para ello se usa el estudio de la comunicación visual del diseño, es decir, el estudio de los signos visuales y de las reglas que los gobiernan, como medios en el proceso de la comunicación”.

Elementos básicos de la composición

La línea y la forma

Dentro del diseño gráfico, hay una serie de elementos básicos para la composición: Línea, forma, textura, espacio, tamaño, valor y color.

La linea: Este primer elemento, puede ser usado para ayudar a ordenar la información, dirigir el ojo de los lectores para organizar la disposición, crear un ambiente determinado y generar un ritmo y movimiento determinado en nuestro diseño.

Se pueden disponer de diversas maneras (horizontales, verticales, unidas, separadas, dividiendo el diseño en partes, etc).

La forma: La forma de los objetos comunica ideas por si misma, además permite llamar la atención del receptor, si la forma elegida es unusual o llamativa.

Dentro de este elemento podemos distinguir distintos tipos de formas: geométricas (son formas rectangulares, por ejemplo triángulos, rectángulos, etc), naturales (son formas irregulares y fluidas, por ejemplo un árbol, una persona, un animal, etc) y abstractas (simplificaciones menos complejas de las formas naturales, por ejemplo símbolos, números, letras, etc).

“… el aspecto más esencial de la profesión no es el de crear formas, sino el de crear comunicaciones.” Aquí nos dice la importancia que tiene la acción de razonar, de decidir, de maquetar la idea que el cliente desea transmitir (regularmente para persuadir) y dirigirlo de la manera correcta a un público determinado. Jorge frascara (gran maestro de la teoría del diseño).

La textura y el espacio

Textura: permite crear una adaptación más personalizada de la realidad añadiendo dimensión y riqueza al diseño. Hay dos tipos de texturas: táctil y visual.

  • Táctil: Por ejemplo la textura de un papel, que tiene diferentes tipos de grosores y rugosidades perceptibles al tacto.
  • Visual: Texturas impresas que asemejan la realidad: piedras, ladrillo, arena, etc. Dentro de esta, se pueden encontrar texturas reales (representaciones de texturas existentes en la realidad) y texturas irreales (creaciones o combinaciones de texturas inexistentes en la realidad).

Espacio: Se puede considerar como uno de los elementos fundamentales del diseño. Nos referimos a el como la distancia o área entre elementos del diseño o alrededor de los mismos. A la hora de hacer una composición hay que tener en cuenta donde se colocarán los elementos y a que distancia unos de otros.

La situación, las tonalidades de los elementos y las formas sirven para crear relaciones espaciales y focales de interés para el receptor, es decir, se pueden conseguir efectos muy diversos: por ejemplo si se usa un amplio espacio en blanco se produce un descanso para el ojo o si se dejan espacios blancos alrededor de un objeto, este se destaca mucho más que el resto de la composición.

Dentro del espacio, es muy importante el Formato . El formato es la forma y el tamaño del trabajo realizado. Normalmente, al hablar del formato de un archivo, se hace referencia al tamaño en el que será impreso o presentado el trabajo.

El mundo de los formatos de papel es un conjunto de formatos estandarizados y de tamaños consolidados en diversos países.

Dentro de los formatos de papel, encontramos los tamaños ISO, que son un conjunto de formatos establecidos por el ISO (International Organization for Standardization). Estas normas ISO también se pueden encontrar como tamaños DIN.

Dentro de estos formatos se encuentran por ejemplo el tamaño DIN A4 (de 297 x 210 mm), prácticamente igual que un folio y es el papel de uso más corriente, o el tamaño DIN A3 (de 420 x 297 mm), usado para dibujos, pequeños posters, diagramas, etc.

Estos tamaños son los más usados habitualmente, pero existen muchos formatos de papel, por ejemplo para el diseño publicitario de carteles y trabajos de grandes dimensiones, se puede usar hasta un 4 A0 (de 2.378 × 1.682 mm, o lo que es lo mismo 4 metros cuadrados), mientras que para diseños muy pequeños, un DIN C10 (de 28 × 40 mm ).

El tamaño, el valor y el color

Además, cabe mencionar, que dentro del formato, un dato importante es la dirección del papel, es decir: Horizontal o Vertical, ya que una composición varía mucho de estar hecha de una u otra forma.

  • Tamaño: Como se comentó anteriormente, el tamaño de un elemento es determinante en una composición. Con este elemento se puede organizar el espacio de trabajo, llamar la atención del receptor aumentando el más relevante y disminuyendo el resto, etc. De nuevo, se hace referencia al punto anterior ya que el tamaño de la presentación del archivo es muy relevante, cuanto mayor sea el tamaño del archivo, mejor se apreciarán los detalles y mejor lo visualizará el receptor.
  • Valor: Es un término que se una para describir que valor de un objeto puede ser modificado por los elementos de su alrededor, por ejemplo: cuanta más luz refleje, mayor valor tendrá. Este elemento, ayuda a crear el contraste de la imagen, mezclando sombras de color y en blanco y negro.
  • Color: El último de los elementos es el color, o lo que es lo mismo, la percepción que recibimos de la longitud de onda reflejada por un objeto. Es uno elemento importante ya que los colores transmiten sensaciones, actitudes y estados de ánimo. Este aspecto del diseño, tiene especial importancia y por ello se tratará posteriormente.

Creación de imágenes

Dentro del diseño, una imagen puede tener distinta procedencia dependiendo del modo mediante el cual se ha obtenido. Además según la finalidad que se le vaya a dar a esa imagen, está será de un tipo u otro.

Básicamente se puede distinguir entre dos tipos de imágenes: las que son generadas directamente desde el ordenador y las importadas al ordenador.

Las imágenes importadas al ordenador también reciben el nombre de “mapa de bits”. Estas imágenes están compuestas por una cuadrícula de puntos, que reciben el nombre de “pixels”.

A su vez, dentro de cada píxel se almacena información de color y cada uno tiene su posición determinada en la imagen y un valor asignado de color.

Formatos de imágen

Existen muchos formatos, algunos de los más utilizados son:

  • JPG: Es una modalidad de archivo comprimido que se usa para imágenes que incluyen mucha variedad de tonos de color. Se usa sobre todo para internet, ya que no se observa tanto la compresión de la imagen y su escaso tamaño es perfecto para ilustrar las páginas web o ser enviada por correo.
  • GIF: Es un formato muy comprimido de imagen que se utiliza casi exclusivamente para la web. Su tamaño es mínimo pero solo mantiene un nímero reducido de colores, funciona bien con colores planos sin degradados como botones, banners publicitarios etc. Este formato permite creación de fondos transparentes y posibilidad de animación (entonces recibe el nombre de “gif animado”).
  • PNG:Es el sustituto del formato GIF, permitiendo imágenes con color, escala de grises y transparencias. Estos archivos conservan toda la información original (capas, colores, vectores, etc)
  • TIFF:Se emplea para imágenes con mucha calidad dirigidas al ámbito de la impresión y por tanto de un gran tamaño. Es el utilizado para carteles, catálogos, etc.
  • BMP: Es uno de los archivos más antiguos de imagen, tiene mucha calidad visual pero su tamaño es excesivamente grande. Usado con frecuencia en CD ROMs.

La Resolución

La resolución de una imagen es el número de pixels mostrados en la imagen por unidad de longitud. (como se comento anteriormente, un píxel es cada uno de los puntos que forman una imagen y que almacenan su información de color).

Esta resolución se mide en ppp (puntos por pulgada) y representa la calidad de la imagen, cuanta más cantidad de pixels tenga mejor será su calidad.

Proceso de diseño

La comunicación, con requiere de actividades de producción y de consumo. Para ello, el diseñador usas los signos, que anteriormente se comentaron, y estos sirven como portadores de información en el proceso de comunicación.

Esta actividad requiere de una serie de fases: creación, selección y arreglos de signos visuales en formación de signos compuestas y complejas, como por ejemplo catálogos, carteles, folletos, etc.

Si se trata de símbolos que han de ser perceptibles y reconocibles por los consumidores, no existe una libertad absoluta para la selección y composición de los signos.

Los mensajes, dependiendo del canal, por el que se transmitan, tendrán una codificación débil o fuerte, por ejemplo, si comparamos palabras y fotografías, las palabras están más fuertemente codificadas que la fotografía, porque su significado varía mucho más de unas personas a otras.

Cuando se da lugar al diseño o a la creación de formas, el diseñador no lo crea de la nada; siempre lo hará mediante un repertorio específico de elementos y un conjunto de reglas gramaticales.

Por ello, y para concluir con este apartado, se puede decir que la comunicación esta ligada a la producción y al consumo, ya que el proceso de comunicación consiste en la producción de un diseño, mediante todo el proceso que acabamos de comentar y dicho mensaje tiene que llegar al público, luego lo están consumiendo.

Fases de creación Publicitaria

Anteriormente se comentó el proceso para la creación de cualquier diseño dado, pero en particular se analizará la creación de un diseño publicitario.

Dentro de la creación publicitaria, se pueden plantear diseños diversos, desde un sencillo cartel, hasta una campaña completa, pero en cualquier caso hay una serie de pasos que se deberán seguir si se desea conseguir un buen trabajo.

Estas fases son sencillas de seguir, y dependiendo de cada caso, se deberá hacer más o menos hincapié en cada una de ellas. Estas fases son:

  • Estudio de las necesidades de la empresa o cliente
  • Análisis de esta información y estudio de las empresas de la competencia
  • Realización de los primeros esbozos, y conclusiones iniciales
  • Primera fase de diseño y realización de la memoria analítica
  • Revisión final con el cliente, segunda fase de diseño y memoria de intenciones
  • Arte final del trabajo y conclusiones en la memoria

ESTUDIO DE LAS NECESIDADES DE LA EMPRESA O CLIENTE


En primer lugar, siempre es necesario recopilar información acerca de la empresa para la que se va a realizar el proyecto.

Esto puede hacerse de diversas formas: con una revisión con el cliente o mediante la recopilación libre de información.

  • En la primera de ellas, el cliente deberá aclarar la idea de lo que desea, lo que espera conseguir con este diseño, el presupuesto del que se dispone y el tiempo dado para la realización de dicho trabajo.
  • Si no es posible realizar esta “reunión” con el cliente, será indispensable la búsqueda de información en cualquier otro medio que sea posible.

Si se realiza esta fase, se evitán muchos imprevistos a lo largo del desarrollo del proyecto, ya que de este modo, el diseñador se asegura de conocer perfectamente los deseos del cliente y así realizar el mejor trabajo posible.

Aunque sea posible conseguir la información del primer método, siempre será conveniente recopilar información adicional. Ya que en una revisión con el cliente, no siempre se obtiene toda la información esperada.

Para concretar aún más, es interesante disponer de información acerca de la historia de la empresa, dedicación concreta de esta, en que tipo de mercados opera (nacionales o internacionales), que espera conseguir con este nuevo proyecto (aumentar las ventas, conseguir prestigio, aumentar número de clientes).

ANALISIS DE ESTA INFORMACIÓN Y ESTUDIO DE LAS EMPRESAS DE LA COMPETENCIA

Con toda la información recopilada, se pasará a analizarla, estudiarla y marcar una serie de puntos de obligatorio cumplimiento y otros aconsejables, pero no imprescindibles.

Además, para completar la información, será muy conveniente, realizar un estudio de las empresas de la compendia, donde se vean los recursos que estas emplean, el tipo de productos que ofrecen, la imagen que los consumidores tiene de ellas, etc.

REALIZACION DE LOS PRIMEROS ESBOZOS Y CONCLUSIONES INICIALES

Con toda la información disponible, es posible comenzar a trazar las primeras ideas o esbozos acerca del diseño a realizar. Siempre será recomendable, realizar varias propuestas, para presentar al cliente, para que este pueda decidir la que más se ajuste a sus necesidades.

Con esto, ya es posible realizar las primeras conclusiones, o conclusiones iniciales, acerca de los gustos, el grado de aceptación por parte del cliente de las ideas presentadas, y la cantidad de trabajo necesario para la realización del proyecto.

Y por último dentro de esta fase, es posible realizar los primeros esbozos acerca del trabajo, ideas que posteriormente podrían ser modificadas, pero que servirán de base para el trabajo.

PRIMERA FASE DE DISEÑO Y REALIZACION DE LA MEMORIA ANALITICA

En esta fase de la creación ya se dispone de la información dada por el cliente, el estudio de varias marcas de la competencia, las conclusiones iniciales y los esbozos del trabajo, luego ya es posible comenzar con la realización del trabajo propiamente dicho.

Aquí se comienza a recopilar los elementos necesarios para nuestro trabajo: imágenes, textos, tipografías, logotipo de la empresa, etc.

Es importante tener en cuenta un aspecto que trataremos posteriormente, se trata de la imagen corporativa de la empresa, y consiste en que, toda la imagen que tenga la empresa (logotipo, tipografía corporativa, colores corporativos) debe ser respetada sin sufrir variaciones bruscas e introducida en el trabajo nuevo, para no romper la unidad y que los usuarios sigan reconociendo la empresa y asociándola con la imagen anterior de ella que tenían.

Suele ser recomendable, en la creación de todo proyecto, y en concreto en las creaciones publicitarias, la realización de una memoria que acompañe al trabajo.

Una memoria, es un cuaderno que se presentará junto con el trabajo, y en ella expondremos toda la información anteriormente recopilada, los bocetos que se hayan realizado previos al trabajo, y la explicación de todos los elementos que aparezcan en el ( los colores utilizados, las formas empleadas, la combinación de los elementos, etc)

REVISION FINAL CON EL CLIENTE, SEGUNDA FASE DE DISEÑO Y MEMORIA DE INTENCIONES

Con toda esta parte del trabajo terminado, será conveniente una última revisión con el cliente, antes de la entrega del trabajo, para que observe su evolución, y de su opinión antes de que el proyecto este concluido.

Siempre que el cliente esté de acuerdo con el trabajo visto hasta el momento, se continuará con la fase del diseño propiamente dicho y con la memoria que antes se comentó. En este caso atendiendo a las intenciones del trabajo, es decir, el “porqué” se ha hecho así, se han empleado esos colores, o se ha elegido una posición u otra.

ARTE FINAL DEL TRABAJO Y CONCLUSIONES EN LA MEMORIA

El arte final del trabajo consiste en prepararlo para la impresión (si esa va a ser su finalidad), o en un CD de soporte informático (si se requiere el archivo original para trabajar con el).

Si el trabajo se trata, por ejemplo de un cartel o un poster, generalmente este se montará sobre una superficie rígida para ser presentado al cliente o si se trata de una aplicación o de una serie de archivos presentados en un CD, sería conveniente diseñar para este una portada y una etiqueta interior para identificarlo.

De la memoria que se está elaborando a la par que el trabajo, se introducirán las conclusiones al trabajo y cualquier información anexa al trabajo que hayamos usado para su realización.

Enlaces relacionados

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Acerca de Patricia Juberias

https://patyjg.wordpress.com

Publicado el 30 mayo, 2011 en Branding y Diseño, DISEÑO Y NUEVAS TECNOLOGIAS, Tutoriales y etiquetado en , , , , , , . Guarda el enlace permanente. Deja un comentario.

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